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【写真展リアルタイムレポート】「六本木クロッシング2007：未来への脈動」 |
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～写真家を含め、36組のアーティストが集結
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Reported by
市井 康延
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テーマに掲げたクロッシング(交差)は、「単に複数のジャンルを集めただけではありません」とキュレーターの1人である荒木夏実さん(森美術館学芸部)はいう。 「ほかの人と違った視点を抱え、そのジャンルに収まりきらない表現を試みているか、を重視しました。ここでは個々の作品世界と、それらが1つの空間で交差したときに生まれる何かが楽しめると思います」。 ここには写真家だけのグループ展では味わえない、アートとの出会いがあるのだ。また参加作家の世代の違いも構成要素の1つで、ちなみに写真家では内山さんが50代、内原さんが40代、春木さんが30代となっている。 「六本木クロッシング」は2007年10月13日～2008年1月14日まで、東京 六本木の森美術館で開催される。会期中無休。開館時間は10時～22時。火曜のみ17時までで、いずれも最終入館時間は閉館30分前まで。入館料は一般1,500円、高校・大学生1,000円、子供(4歳以上～中学生)500円。 会期中、さまざまなイベントが行なわれるので、ぜひ美術館のホームページをチェックしてみよう。
■ アートは気軽に楽しめばいい アートと聞くと、やや敷居を高く感じる人がいるかもしれない。かくいう筆者もその1人だ。その単語に「現代」なんて付いたもんなら、なにやら高尚なものに対する気負いが全身に染みわたり、見る前から理解しようと構えてしまう。力んでしまって、どうしても楽しむまでに至らない。さらに今回は会場が森美術館。場所は六本木ヒルズ 森タワーの53階だ。緊張しつつ入口に向かうと、なかなかの賑わい。来場者の顔ぶれも老若男女、実にクロッシングな様相だ。 展示の最初に置かれた作品が彫刻家・吉野辰海氏の手になる巨大な犬の顔。可愛らしくもあり、ユーモラスでもあり、少々、不気味さも入り混じる。どこかをデフォルメしているわけでなく、ほぼ忠実に犬の顔を再現しながら、巨大に創ることで違う見え方が生じるのだ。思わず笑いがこみ上げてきて、肩の力が抜ける。 その隣のスペースが、写真家の内原恭彦さんの空間。およそ2×3mのスティッチングを使った2点のプリントが飾られている。
■ スティッチングの自己批判を含めて制作
「今までやってきたスティッチングの自己批判も込めています」と内原さんはいう。その思いは、東京都写真美術館で2004年に開催した、写真新世紀のグランプリ受賞者個展から端を発していた。 「大きな解像度があるにも関わらず、実際のプリントを見たときに期待したような迫力を感じなかった。写真が日常の視覚に近づいてしまい、驚き、違和感がないから、普通に見えてしまうのかもしれない」。 それでいて、スティッチングした映像は足りない部分を補完したり、ありえないパースペクティブを持つ「騙し絵」的な要素もある。「ただデータ量を増やすだけでは驚きはない。破綻しているほうが面白いのではないか」と考えて、制作途中のイメージを完成形の作品として展示したのだ。 ■ 再びスナップへ回帰 貼り付けられた1点ずつの画像は鮮明で、部屋に置かれている本の背表紙、CDやDVDのタイトルまで読み取れる。ただ画像がズレているため、CG画像を見ているような印象も受け、この映像が現実なのか、架空なのか、見る人によって受け取り方は違うはずだ。山田大輔さんは内原さんの友だちであり、実際の彼の部屋を撮影したものだという。「彼の部屋は実に魅力的で、何度も撮らせてもらっています。逆に、そこまで魅力的な被写体でないと、スティッチングで作品を作ろうとは思えないんですよ。作業は1点で2カ月くらいかかるので、相当モチベーションが高くないと取り組めません」と笑う。 作品の面白さ、手応えは実際のところは、作者自身、展示するまでわからないという。今回はこの展示と同時に、写真集「Son of a BIT」(青幻舎刊)を制作した。 「一時、自分の表現の志向がアートの領域に入り始めたとき、スナップに魅力を感じなくなった。けれど再び、写真が撮りたくなった。出発点は写真。その領域を1歩でもはみ出すものを作っていきたいと改めて思っています」。 ■ 制作技法はオーソドックスだが……
「ただ写真を見せるのではなく、モノと交差できるようなインスタレーション的な展示を試みました」と荒木さんは言う。そこに現代社会の混沌を見るか、物質文明の豊饒を感じるか、ハイテク社会の静謐さを受け止めるかは人それぞれだろう。 ■ 光と影をテーマに作品を制作
6×7の中判カメラで撮ったネガカラー作品だが、一見するとモノクローム作品のように見える。橋のような場所を渡る人たちがシルエットのように見えるが、画面の大半は黒くつぶれた橋桁らしき部分で占められている。 「日常生活の中で、人はいろいろな光景が眼に入っているはずなのに、見たいものだけを見ている。写真も見たいものだけに露出をあわせると、それだけが写る。そうして写った映像は見る人によって、それぞれのイメージで被写体を想像させられるんですよね」と春木さんはいう。数々の作品シリーズを制作してきているが、春木さんが一貫して持っているのは光と影による表現だ。 一見したところ、真っ黒にしか見えないイメージの作品シリーズ「yell」は、普通に撮影したネガを通常の7～8倍の露光時間をかけてプリントしたものだ。周囲の数cmの部分を、最初の露光ではイーゼルで隠し、その部分だけは適正露光で仕上げる。 「プリントに近寄って、しっかりと見ようとすると像が浮き上がってくる。意識的に見ようとすることで、普通のプリントでは見えない何かが感じられるようになります」。 色の3原色をモチーフのひとつに据え、イエローは土、シアンは川(水)、マゼンタは朝焼けを撮影している。情報の欠落部分を補うのは、個々人の感性であり、春木さんの作品は、その人によって違う部分を刺激しようというのだ。 ■ 約4年かけてたどり着いた、群集というポートレート 人に関心があり、ポートレートが撮りたいと思い始めたが、個人と向き合うことは今はしたくないという。そこで選んだモチーフは、群衆というポートレートだ。今回、発表したものは2003年から撮り続け、去年ぐらいからコンセプトが定まってきたという。橋を通行する人々を、逆光の状態で、露光を空の部分にあわせて撮影する。橋は暗い闇になり、人はシルエットにしか写らない。が、ひとりひとりを見ていると、その人の疲れた気分が伝わってきたり、軽やかな足取りが感じられたりする。 「人と人との間隔も等間隔だったり、ばらけていたり。その配置の面白さがあって、撮影のときに狙ってシャッターを切っています。思わぬときに自動車が現れたり、なかなかうまくいかなかったですが。1日に撮影できる時間は4時間程度で、フィルム10本以上は撮っていましたね。この展覧会の作品は1カ月ぐらいかけて撮ったもので選びました」。 春木さんは、写真というメディアに固執しながら、その表現するものはまったく従来の枠組みから逸脱している。この作品は「わからない」と拒絶する前に、1度じっくりと見つめてみると、これまで感じたことのない何かが気持ちの中に残るはずだ。 もし時間があれば、その足でプレーンな写真展を見に行ってみるといいだろう。ほっと落ち着く気持ちと同時に、物足りなさも感じるはず。それこそがアートが持つ魅力なのだ。
■ ＵＲＬ 森美術館 http://www.mori.art.museum/ 六本木クロッシング2007：未来への脈動 http://www.mori.art.museum/contents/roppongix02/
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